Det væsentlige: Michelangelo Antonioni

Hvilken Film Skal Man Se?
 

Mens han havde lavet fem tidligere film, 1957 ’; s “;Grædet”; at være den mest essentielle af flokken, italiensk filmskaber Michelangelo Antonioni’; s karriere begyndte ikke virkelig for alvor indtil en maj 1960 aften kl Cannes Film Festival hvor hans seneste film, “;The Adventure, ”; blev mødt med boos, overdrevne gabber, højlydte jæger og endda latterlig latter. Antonioni havde lavet en mystisk, sparsom og uigennemsigtig film, der ville definere resten af ​​hans karriere - en usædvanlig film, som mange andre, der ville følge, hvor “; der ikke sker noget, ”; i det mindste i skøn over hans hårdeste kritikere. Det var, som han beskrev det, en type film noir i omvendt retning - en upåvirket socialite går på en bådtur med haute borgerlige venner kun pludselig forsvinder på en lille og afsides ø; hun findes aldrig. Faktisk er hun glemt og fordamper fra filmens og figurernes bevidsthed. Efterhånden som hendes hukommelse falder i baggrunden, går hendes kæreste og bedste ven fra bekymret og efterforskende til til sidst forelsket af hinanden og sammenfiltret i deres egen urolige og torturerede kærlighedsaffære. Alligevel er filmen ikke en fordømmelse af deres formodet lavt adfærd - i stedet for det er en udforskning af den uforklarlige natur af kærlighed, moralsk ambivalens og skrøbelighed i moderne opførsel.



Filmskaber, romanforfatter og manusforfatter Alain Robbe-Grillet (han skrev Alain Resnais‘Mesterværke,“Sidste år på Marienbad“) Sagde engang og beskrev Antonionis arbejde med en sammenlignelig auteur,” I en Hitchcock film, betydningen af ​​det, du ser på skærmen, bliver konstant forsinket, men i slutningen af ​​filmen forstår du alt. Med Antonioni [film] er det det modsatte. ”; Spartanske widescreen-billeder var altid klare, men betydningen udviklede sig konstant, selv når filmen sluttede. Og så var det, dagen efter Cannes-premieren, fyrre-ulige kunstnere fra festivalen, inklusive Roberto Rossellini havde skrevet til Antonioni og priste hans dristighed. Filmen vinder en specialjurypris “; for sit bemærkelsesværdige bidrag til søgen efter et nyt filmsprog. ”;

Måske fremhævet af denne bekræftelse, ville Antonioni fortsætte med det, han beskrev som værker til søgning; intrikate og gåtefulde stemningsstykker, der koncentrerer sig om upåvirkte, åndeligt adskillige karakterer, der lider af følelsesmæssig sygdom af ennui, fremmedgørelse, apati og eksistentielle kriser. Et produkt af europæisk efterkrigskino blev Antonioni beskrevet som en modernist ved at han turde skubbe det filmatiske sprog fremad, men han forsøgte også at udtrykke anachronistisk moral og følelser (han sympatiserer med de elskende i ‘ Avventura ”; selvom ved koderne i det moderne samfund er de backstabbers). Og mens klasse altid var et tema i et vist omfang, fra socialiterne i “Amiches, ”Til vagabondfaderen i“Grædet, ”Til de velstående par i sin” fremmedgørelses-trilogi ”, var hans største bekymring mere med den grundlæggende utilfredshed, der synes at være et biprodukt af rigdom, ikke rigdom i sig selv.

Antonionis beskæftigelse med denne seje, undertiden lidenskabelige “; udsøgte fremmedgørelse ”; ville ofte have en lignende form; en stram men smuk visuel majestæt, en arkitektonisk enormitet, der ofte undertrykte hans karakterers psykologi inden for deres miljø (miljø er alt for filmskaber) og død tid [død tid], disse øjeblikke efter scenens handling virkelig slutter, når kameraets blik længes og blødgør det uudtrykkelige. ”Der sker ikke noget, mand; det er bare mange mennesker, der ikke går nogen steder, ” Mark Frechette, en af ​​Antonionis skuespillere, der engang sagde om sine film. Men hver film havde en rejse, omend en, hvor karakterer uundgåeligt blev fanget i en indviklet psykose af ligegyldighed, ambivalens og vægtede tavshed.

Filmskaber blev tildelt en Lifetime Achievement Oscar i 1995, to år efter, at den samme ære blev tildelt hans modpart Federico Fellini. Det sidstnævnte vil altid være det større husholdningsnavn i biografen, men med Antonionis bidrag til formen og afviklingen af ​​konventionel grammatik måske ikke får den rette værdsættelse fra andre end de mest rarefied af cinephile cirkler i årenes løb, ville vi argumentere for en bredere revurdering kan ikke være langt bagefter. Måske med sidste uges forsinkelse Kriterieindsamling frigivelse af “Natten, ”Måske er den mest sensuelt slående af al hans moderne tetralogi nu. Med denne forkerte endelig rettet (vi er sikre på, at det var en rettigheds ting, men 'La Notte' hørte hjemme i samlingen for et årti siden), besluttede vi at tage et kig på det væsentlige ved en til tider overset titan fra biografen: Michelangelo Antonioni.

“;The Adventure”; ('Eventyret' 1960)
Foregribelse Hitchcock 's dristige hovedperson switch inden “Psycho, ”Som nævnt var Antonionis sjette film en banebrydende spiludveksler for filmskaberen, og han ville aldrig se tilbage. Ved at udskifte konventionelle plot og fortællingsformer udnyttede den italienske modernist den europæiske zeitgeist efter krigen, ved at udforske forestillinger om usikkerhed, uro og ennui. En 'noir omvendt,' 'The Adventure”Er næsten to forskellige film i en: en stram, spøgende og underligt foruroligende første halvdel, hvor en socialite mangler på en afsides ø, mens hun er på en bådtur med sine velvære venner, dets kølige miljø, som sædvanligt, er perfekte rammer for figurernes upåvirkede psykologi (et grundlæggende element i alle efterfølgende Antonioni-film). I sin anden halvdel opgiver ”L’Avventura” alle undtagen den savnede pige - hun trækker væk som en tåget, forladt hukommelse - og sporer derefter sin kæreste Sandro (Gabriele Ferzetti) og bedste ven Claudia (Monica Vitti) da de til sidst forelsker sig, mens de oprindeligt forgæves søger efter deres mistede ledsager. Billedet kan ses som en erosion af værdier - hvordan venner opgiver deres landsmænd til en lav affære, der sandsynligvis ikke vil vare, men Antonioni fungerer faktisk på et mere komplekst niveau og omfavner deres forhold og ikke fordømmer det (hvilket normalt er sag med de torride anliggender, han skildrer). For Antonioni er erotik et følelsesladet redskab til at maskere karakterens mangler. Sandro har for eksempel solgt sin kunstneriske side til hule arbejde i den kommercielle verden. I sidste ende bedømmes handlinger aldrig; dette handler ikke om konsekvenser. Som sådan er 'L'Avventura' en dristig men apropos titel, der tvinger os til at tænke på denne type affære som et eventyr, der måske ikke fører nogen steder eller endda betyder meget, i sin udforskning af kompleksiteterne af lyst, længsel og forbindelse. For ligesom Antonionis lignende udforskninger, der fulgte, fulgte, er det en film, der næsten aldrig giver tilfredsstillende eller lette svar på mysterierne om menneskelig adfærd.

“;Natten”; (“Natten” 1961)
Den midterste film i den løse tematiske trilogi, der inkluderer “;L ’; Adventure”; og “;L ’; Eclisse, ”; “;Natten”; (skønt mange hævder “;Rød ørken”; passer fint ind tematisk minus dens brug af farve), som også spiller det slående Monica Vitti langs med Jeanne Moreau og Marcello Mastroianni, finder, at Antonioni distillerer sine optagelser med fremmedgørelse, troskab og den skørhed af social succes til en koncentreret, krystalklar, men alligevel med vilje gåtefulde film, en der måske bedst kan eksemplificere den sorte kraft i hans stil til en neophyt. Bestemt, det fik plaudits og vandt Guldbjørnen i Berlin og efter sigende nummerering blandt Stanley Kubrick'S ti yndlingsfilm. Skudproduktionens absolutte skønhed er en faktor, men hovedsageligt den proces, hvormed han griber ind i vores opmærksomhed, er mystisk (og subjektiv - der er dem, der synes det er for langsomt): den ’; en film, hvor en stor aftale forekommer, men intet sker virkelig - i det mindste intet, der ser ud til at ændre vores centrale karakterer grundlæggende meget, så lad os få dem til at opleve noget så krass som “; en bue. ”; I løbet af en enkelt dag og nat følger vi Giovanni (Mastroianni) og hans kone Lidia (Moreau), mens de besøger en døende ven, deltager i bogsigneringer og fester (Giovanni er en berømt forfatter), men lejlighedsvis vandrer alene, eller med potentielle elskere, de møder undervejs. Ved sin konklusion tvinger det en konfrontation af slags om arten af ​​deres forhold, og selvom det synes klart, at det er uopretteligt brudt, lukker vi dem for at elske slags, i en sandtrap på en millionærs golfbane som daggry pauser. Hele vejen igennem sker samtalerne mellem parret ved en slags øget fjernelse - så oprørt og overspændt som Lidia undertiden er, undlader Giovanni at trøste hende; og så vidt Giovanni ser ud til at have glæde af succes og peer-beundring, undlader Lidia at legitimere dette ved at behandle det som vigtigt. Det er et køligt og køligt portræt af et borgerligt forhold i en tilstand af ejendommelig entropi; selv når de søger distraktion med andre, er der en mærkelig uundgåelighed for det faktum, at de ‘ ll ender sammen. Måske er det en slags straf for at leve ud af denne borgerlige drøm - Antonioni føler bestemt bestemt at dømme dem hårdt for deres selvoptagelse og forkælede utilfredshed. Men se det på en anden dag, så kom du måske til en helt anden konklusion, som er en af ​​de virkelig store ting ved denne kimæriske film. Smuk, mutérbar og altid lige uden for en rækkevidde, “; La Notte ”; er ikke en film, som alle vil finde tid til, selvom vi ’; d argumenterer for, at det her ikke er nøjagtig tålmodighed, som seeren har brug for, bare en vilje til at tillade, at filmens rige billedmateriale trækker dig ind og dens kølige strømme tæt på din hoved.

“;Eclipse”; ('Eclipse' 1962)
Når den italienske forfatter Alberto Moravia, også konsumeret med ideer om social fremmedgørelse og eksistentialisme, skrev “; penge er det fremmede element, som indirekte griber ind i alle forhold, endda seksuelt, ”; han kunne have talt om Antonioni ’; s “;eclipse. ”; En film, der kunne undertekster, “; Heavy Petting, ”; det stjerner Monica Vitti som Vittoria og Alain Delon som Piero flirtede to kærester med ideen om en romantik, men kæmper for at forstå ægte intimitet. Men den metaforiske formørkelse i filmen er fraværet af noget reelt eller ægte, inklusive kærlighed. Hjemsøgt af et bylandskab med storslået moderne italiensk arkitektur (sammen med halvbygede bygninger tilsyneladende forladt på grund af deres forældede stil), spiller Delon en ung børsmægler, der bliver rig, mens Italiens underklasse går maven op. En af disse fattige dårer er Vittorias mor, der gambler det hele væk på dårlige valg. Frisk fra sin egen sammenbrud med en ældre mand, møder Vittoria Piero gennem denne forbindelse, og de danser omkring ideen om at være sammen og erkende ægte kærlighed til hinanden, herunder flere tunge make-out-sessioner, der til sidst føles apatiske og tomme. I mangel af ægte forbindelse forsøger disse følelsesmæssigt udmattede figurer at fremstille en evig kærlighed, men den geler aldrig helt og er flyktig som de uforstyrrede vinde, der giver deres lille by sin spøgelsesfulde og forvirrede atmosfære. “; Jeg har lyst til, at jeg er i et fremmed land, ”; Piero siger på et tidspunkt. “; Funny, ”; Vittoria tællere. “; Det er, hvordan jeg føler mig omkring dig, ”; og det er sandsynligvis et direkte stykke dialog, som nogen siger i filmen. Ved at erkende ægte kærlighed løfter parret at mødes på gadehjørnet senere samme aften, men ingen af ​​dem dukker op, og filmen slutter med en uigennemsigtig og ildevarslende (og temmelig berømt eller berygtet, afhængigt af dit synspunkt) syv minutters montering af de tomme bybilleder , mystisk, uhyggelig og smuk (stumme amerikanske studios og teaterejere sprang nogle gange denne abstrakte del af filmen, da de troede, at den bare forvirrede seerne).

“;Rød ørken”; (1964)
Den næstsidste film, Antonioni ville lave med Vitti, er instruktørens første i farve, og han gør slående brug af det nye værktøj og indrammer sit bylandskab i en hård, kold afstand. Faktisk giver lyddesignet, den gådefulde elektroniske score og kinematografi filmen en science-fiction kvalitet; det ser ud til at eksistere på en anden planet. Instruktøren håbede på at skabe poesi ud fra byforfald, ved at bruge farve som en maler og præsentere de røgede fabrikker som en undertrykkende maskine, der forstyrrer miljøet, klar til at få fat i figurerne. Skønt “;Rød ørken”; kommer ud som temmelig negativ, idet man efterlader en følelse af, at bylivet bliver slugt af industrien og skaber en flok sløvede zombier, der går rundt i deres daglige arbejde, det var Antonioni ’; s håb om, at publikum ville se skønheden i det industrielle teknologi. Hans håb var “; at oversætte verdens poesi, hvor selv fabrikker kan være smukke. Linjen og kurverne for fabrikker og deres skorstene kan være smukkere end konturen af ​​træer, som vi allerede er for vant til at se. ”; Det er en historie om, hvordan vi tilpasser os som mennesker, med succes eller ej, og skønt skildringen af ​​moderne ennui gennem Monica Vittis neurotiske, tidligere mentale institution placerede karakter og hendes lysløse opførsel, når hun går fra bekymret mor (hendes søn forfalsker bliver lammet på et tidspunkt) til udrosthed (hopper i sæk med Richard Harris, et forretningsforbund til sin mand) i et forsøg på at finde ud af, hvad der mangler i hendes liv, det er aldrig en til at give nogen lette svar eller efterlade dig med en bestemt følelse. Filmen vandt den gyldne løve kl Venedig i løbet af udgivelsesåret, en bekræftelse af, at Antonioni var nær toppen af ​​arthuset i sin fortsatte mission at bringe mærkelige, ærlige film til eventyrlystne biografer.

“;Sprænge i luften”; (1966)
Hot off the arthouse succes med “;Rød ørken, ”; Antonioni blev kontraheret af producenten Carlo Ponti at lave tre engelsksprogede billeder til MGM. Den første var denne historie, tilpasset fra novellen “;Djævelen ’; s drool”; ved Julio Cortázar og også inspireret af London-fotografens liv David Bailey. Dagen i livet for en svingende fotograf fra 60'erne, spillet med perfekt brashgadocio af David Hemmings som den ligefremste forløber for Austin Powers (du forventer en slags at han siger “; og jeg ’; m tilbragte ”; efter hver fotosession), tager en tur til det psykologiske, når han er klar over, at han måske har været vidne til og fotograferet et mord. Han går fra fotoseanse til fotoseanse, scorer med et par unge damer i håb om at gøre det som modeller, og kommer derefter til at indse, når han udvikler de billeder, han skyder i en park, for at han kan have bevis for gerningen. De, der leder efter klare svar, får dem ikke, men mysteriet og den afbildede verden er spændende og giver dig lyst til mere med hver scene (ikke mindst hvor den strålende finale, hvor Hemmings deltager i et efterlignet tennis). Andre cool era signifikatorer inkluderer Herbie Hancock’; s eksotiske jazzy score, et udseende af Jimmy Page ’; s pre-Led Zeppelin band Gaardfuglene, og det faktum, at dette blev betragtet som ganske racy for sin tid, hvilket bidrog til at stoppe produktionskoden og således gyde MPAA. Dens overraskende succes i U.S.A., som uden tvivl hjalp af sit omdømme for at præsentere skærmbilledet nøgenhed, sikrede, at Antonioni ville have mere frihed til at fortsætte på sin underlige, idiosynkratiske sti. Og hvis ikke andet, kan vi takke denne film for det, der er kommet i dets kølvandet. Vi vil uden tvivl ikke have andre masterværker som Francis Coppola’; s “;Samtalen”; og Brian De Palma’; s “;Blow-Out”; uden det.

“;Passageren”; (1975)
Det er Antonionis specialitet: hans dybe interesse i at udforske fremmedgørelse i det moderne liv. Selvom nogle af hans arbejder til tider kan føles dateret, selvom det kun er sådan en centralt modsat bekymring i dag, er der mange aspekter, der stadig behøver relevans i dag. “;Passageren, ”; den tredje af den italienske instruktør ’; s engelsksprogede film, ser ham slå sig sammen med Jack Nicholson på højden af ​​skuespillerens tidlige karriere. Han spiller en reporter, der laver en dokumentar i Afrika, der er frustreret over hans manglende evne til at få interviews med de chadiske oprørere, der fører borgerkrig, og slår op med et venskab med en anden mand, der opholder sig på sit hotel. Manden bliver derefter død, og Nicholson beslutter at påtage sig sin identitet og i det væsentlige dræbe sin tidligere persona og liv. Rusen er en succes, indtil hans kone beder nogen om at finde ud af mere, og Nicholson kommer til at indse den mand, hvis identitet han nabbede kørte med våben til de meget oprørere, han prøvede at interviewe til sin dokumentar. Han gør aftalen med succes og får kontanter, leder til Spanien og møder en pige, som han indleder en affære med (spillet af Maria Schneider), men tingene fanger ham op. “; Passageren ”; er et strålende kig på at ville grøfte fortiden og genopfinde dig selv: Nicholsons karakter keder sig grundlæggende med sit liv, familie og job, så han ser muligheden for en ny start og går efter det. Dette tema er på én gang en kraftfuld metafor for hvorfor vi ser film (for at leve vicariously gennem andre mennesker i mindst et kort glimt af et andet liv), men fungerer også som baggrund for en af ​​Nicholson's mest undervurderede og sjældent nævnte ‘ 70'erne film . Hans præstation som identitetsskiftende reporter er en anden stor påmindelse om, hvor forbandt han var i de dage, i stand til at underpege en karakter til ødelæggende virkning. Og det berømte næstsidste skud, et næsten syv minutter langt ubrudt tag, er intet mindre end betagende.

Antonioni til avancerede elever
Resten af ​​Antonionis output kan være ret plettet. Ingen observation af hans karriere kan foretages uden at nævne 1970's berygtede “;Zabriskie Point, ”; hans andet engelsksprogede filmsæt under den modkulturelle ungdomsbevægelse i USA (som vi ’; har skrevet om flere gange, herunder i denne funktion om store instruktører, der mistede handlingen). Som “;L ’; Adventure, ”; det påstås at være et mysterium oprindeligt - skød en ung-hippie-cum-studerende-radikal en politimand? Men som sædvanligt “; Zabriskie Point ”; blev mere konsumeret med at udforske de to karakterers målløshed via en varemærkeret retning erotik. Billedet var en stor flopp i USA og kritisk latterliggjort i løbet af sin dag. Det er efterfølgende blevet rost som en misforstået klassiker, men som det er sædvanligt i revisionismens tidsalder og spændende genopdagelse, at det overdriver sagen. “; Zabriskie Point ”; er ikke en uklar katastrofe, men det er heller ikke et skjult mesterværk. I stedet er det en problematisk og ujævn, men fascinerende udsnit af ‘ 70s biograf, som alle cinephile historikere og Antonioni-kendere bør spore.

Den tidlige halvdel af Antonionis karriere er pebret med interessante, men stort set ikke bemærkelsesværdige, post-neorealistiske værker, der aldrig er så påvirkende eller så fuldt ud realiseret som værkerne fra Fra Sica eller Fellini (skønt hans debut, “;Historien om en kærlighedsaffære”; er hovedsagelig en film noir). “;Vennerne, ”; er kendt for sin brug af kvinder som dens centrale karakterer - et kendetegn i spidsen for de fleste Antonioni-film - men var måske for snakket og overfyldt i sin mise en scene til at være emblematisk for hans senere, mere magtfulde værker. Det ’; s 1957 ’; s “;Grædet”; (The Cry) - en type følelsesmæssigt internaliseret neorealisme - filmen før “;L ’; Adventure, ”; der antyder mest, hvad der skal komme. Med amerikanske skuespillere Steve Cochran og Betsy Blair (kaldet italiensk) sammen med Alida Valli og Dorian Gray, filmen indeholdt en sjælden mandlig hovedrolle for Antonioni, forfærdet og desillusioneret, vandrende på det italienske landskab på jagt efter formål, efter at hans kone forlader ham. Selvom det måske ikke er helt & essentielt ”; det er et kritisk skridt i udviklingen af ​​Antonionis sparsomme og stramme stil og et must-see for enhver Antonioni-ite. Det Kriterieindsamling-præget “;Identifikation af en kvinde”; fra 1982 handler om en selvoptaget filmregissør på jagt efter kærlighed og en pige, der er forsvundet fra sit liv - det er lidt lavt og kort efter den slags stof, der gjorde Antonioni bedste film til så forførende og fortryllende oplevelser. Senere i livet led Antonioni et svækkende slagtilfælde, der ville sidelinjen for hans karriere i et årti, og få det til at se de efterfølgende film, som hans “;Leave”; kort og “;Ud over skyerne”; (co-instrueret af Wim Wenders) næsten uudholdeligt (desværre har de lyst til at være parodier på hans arbejde, ude af den nuance og præcision, som han engang var en mester). 1981 ’; s “;Mysteriet om Oberwald”; var hans sidste rigtige samarbejde med Monica Vitti (selvom de fleste antager det ’; s “;Rød ørken”;), men dårlige meddelelser har hurtigt gjort det til en glemt, at intet studie har gidet at adressere på DVD. Alt sammen er det at sige, at hvis du er nysgerrig og leder efter et sted at starte, kan du gøre det værre end at vælge et af vores seks væsentlige ting, før du vasser dybere. - Rodrigo Perez, Erik McClanahan, Jessica Kiang





Top Artikler