De 20 bedste nåledråber fra 90'erne

Hvilken Film Skal Man Se?
 
  De 20 bedste nåledråber af



Fødslen af ​​'jukebox-score' krediteres ofte George Lucas' 'American Graffiti' og filmskolegenerationen. Men det tog endnu et par årtier - hvor populærmusikken og handlingen med at forene lyd og syn gennemgik adskillige seismiske udviklinger - før musikovervågning kom til sin ret som en anerkendt kunstform. I 1990'erne var nåledråber ikke længere den eksklusive provins for auteurs; brugen af ​​popsange i film var vokset til det punkt, at det var mere end en måde at fange et øjeblik i historien (f.eks. et snit til optagelserne fra Vietnamkrigen signaleret af Jimi Hendrix' 'All Along the Watchtower'-riff) eller fremdrive et ' 80'er montage (Alle synger: ' Bare en stålbypige en lørdag aften / Leder efter hendes livs kamp... “). Delvist motiveret af uafgjort og økonomi ved at have et populært soundtrack eller en hit-tie-in-video på MTV, blev pop-cues et meget brugt filmisk værktøj, og håndværket og betydningen af ​​musikvejledere som Randall Poster begyndte at blive anerkendt.

Paletten af ​​nålefaldet er udvidet og uddybet siden 90'erne: Det akavede ved, hvordan hiphop blev brugt i løbet af årtiet, er forduftet, og Terrence Malick har vist filmskabere, at de kan mikse og matche klassiske komponister i samme film. Alligevel er der nålefald fra 90'erne, der kom til at definere til form, som for altid kædede en sang og en film sammen og fortsætter med at genlyde højere end noget, der spilles i biograferne i dag.

Følgende er en liste over de bedste pop-cues i 90'er-film, som udvalgt og rangeret af IndieWire-personalet. Med henblik på listen definerede vi et nålefald som en allerede eksisterende optagelse af en popsang, der fik ny kontekst ved dens placering i en film. Full-on musiknumre blev ikke taget i betragtning, så undskyld til de moderne standarder fra Disney Renaissance. Hvis en sang blev bestilt til eller 'inspireret af' (for at låne en sætning fra årtiets originale film-soundtrack-albums) en film, eller hvis den opfyldte de altid glatte standarder for Oscar-prisen for bedste originale sang, blev den også diskvalificeret . (Af denne grund udgjorde Aimee Manns 'Magnolia'-kompositioner og Elliott Smith-sangene fra 'Good Will Hunting' nogle af vores mest smertefulde klip.) For kortheds skyld forsøgte vi at begrænse vores endelige valg til én film pr. instruktør, og et nålefald pr. film - selvom der var en berømt udførlig instruktør, hvis 90'er-output havde en så dyb indvirkning på nålefaldets kunst, at vi var nødt til at bøje reglerne.

Du kan se vores Top 10 i videoen ovenfor, redigeret af Azwan Badruzaman, og læse vores Top 20 nedenfor.

Denne artikel indeholder bidrag fra Erik Adams, David Ehrlich, Jim Hemphill, Chris O'Falt og Sarah Shachat.

20. 'Velvet Goldmine': Lou Reed, 'Satellite of Love'

David Bowie ville ikke licensere sin musik til 'Velvet Goldmine', Todd Haynes' fiktionaliserede historie om glamrock ved hjælp af Oscar Wilde og 'Citizen Kane.' Men hans stemme giver stadig genklang gennem hele filmen, mens Jonathan Rhys Meyers' Brian Slade ifører sig Ziggy Stardust drag, iscenesætter en omfattende afskedskoncert for alter egoet, der truer med at fortære ham, og i et ekko af Bowies personlige og professionelle forhold til Lou Reed og Iggy Pop, samarbejder med og romancerer en amerikansk modpart, Curt Wild (Ewan McGregor). Det er på det ekstatiske højdepunkt af det forhold, at Bowies stemme faktisk er hørt , i 'mmm-hmm''erne og 'bum bum bums' i Lou Reeds svimlende 'Satellite of Love'. Det er en fræk håndsrækning, der omgår katalogstriden, der holder 'Superstar: The Karen Carpenter Story' ude af cirkulation, men Haynes lader det ikke komme i vejen for følelserne og plasker Brian og Curt i blå nuancer og lyserøde, mens de serenade hinanden fra en karnevalstur af gensidig påskønnelse. Brian er ikke Bowie (der er noget Bryan Ferry og Jobriath blandet deri), og McGregor er heller ikke Reed (hans frisure og løjer på scenen er alle pop). Men for den scene blandes virkelighed og fantasi på en meget iøjnefaldende måde. — EA

19. 'The Girl on the Bridge': Marianne Faithfull, 'Who Will Take My Dreams Away'

Patrice Lecontes 'Pigen på broen' lyder som en fortælling om gensidigt sikret ødelæggelse: En selvmorderisk ung nymfoman melder sig frivilligt til at være det menneskelige mål i en uheldig knivkasters cirkushandling, efter at han har reddet hende fra Seines frysende vand. Men alt ændrer sig, da Marianne Faithfull begynder at skændes 'Hvem vil tage mine drømme væk?' over soundtracket, mens Adèle (Vanessa Paradis) og Gabor (Daniel Auteuil) praktiserer deres handling i et tog, faren for, at det hele smelter sammen til en svimlende romantisk - endda orgasmisk - pas de deux om dødsbesatte fremmede, der får hinanden til at føle sig uovervindelige . Det er stoffet af ren filmisk ekstase, lige så spinkel og perfekt som sangen, der gør den hel. -AF

18. 'William Shakespeare's Romeo + Juliet': Radiohead, 'Talk Show Host'

Det flyver forbi på et øjeblik, lige så flygtigt som en solnedgang eller livet af to stjernekrydsede elskere i fair Verona, hvor vi sætter vores scene: ensom guitar, trip-hop-trommer og stemmen fra en mand, der er så hjemsøgt af et smugkig ved Baz Luhrmanns strand-scuzz turf krigsfortolkning af Bard, at den inspirerede til et af de bedste numre på 'OK Computer.' 'Exit Music (For a Film)' fik den afsluttende tekst af 'William Shakespeares Romeo + Juliet', men det korte spotlight-øjeblik for et ældre nummer tidligere i filmen hænger ved i hukommelsen som både et tema for Leonardo DiCaprios følsomme, torturerede Romeo og en påmindelse om engang, hvor Radiohead-kompetister var nødt til at sænke op mod 18 dollars for at lytte til den uhyggelige B-side, de havde hørt på bandets live-turné i '97. (Der ville gå et par år mere, før Shawn Fanning og Sean Parker bed tommelfingeren til de store labels og kaldte det Napster, et af flere dødsstød for det platin-sælgende soundtrack-album.) Ingen tvivl om, at vores unge Montague ville have været en af ​​dem: Beklagerne fra hans velbeslåede mor (Christina Pickles), Luhrmanns beslutning om at gengive 'O skænderi kærlighed! O kærlige had!' som notesbogspoesi - DiCaprio er Radiohead Romeo. — EA

17. 'Dazed and Confused': Edgar Winter Group, 'Free Ride'

Fra åbningsteksten sat til Aerosmiths 'Sweet Emotion' til Foghat-hymnen, 'Slow Ride', der afslutter filmen, er 'Dazed and Confused' en mesterklasse i, hvordan man bruger nålefald for maksimal effekt - filmen er utænkelig uden dem. Forfatter-instruktør Richard Linklaters ensemble-karakterstudie af en gruppe gymnasieelever, der skærer løs på den sidste dag i skoleåret i 1976, bruger en ekspert kurateret playliste med rockklassikere som sit partitur, men sangenes brug går ud over ren nostalgi. Nok bruger Linklater musikken til at etablere periode, men endnu vigtigere bruger han den til at udtrykke sine karakterers indre liv, så dialogen ikke behøver det; et eksempel er hans valg af Edgar Winter Groups 'Free Ride' for at sætte gang i en montage af teenagerne, der gør sig klar til natten, når solen går ned. Sangens svimlende energi formidler perfekt følelsen af ​​forventning og befrielse i luften og driver filmen ind i sin anden akt med smittende godt humør – en følelse, der er karakteristisk for værket af 'Free Ride'-sangskriveren Dan Hartman, som ville fortsætte med at skrive eller co-skrive 80'er-soundtracks som 'I Can Dream About You' fra 'Streets of Fire', 'Living in America' ​​fra 'Rocky IV' og 'Get Outta Town' fra 'Fletch' før hans alt for tidlige død i en alder af 43. — JH

16. 'Clueless': The Muffs, 'Kids in America'

Hvis 'Clueless' rockede mindre, kunne vi måske tale mere om det: fra et lynkursus i Radiohead for folk, der gik glip af udgivelsen af ​​'The Bends' tre måneder tidligere til en lille smule Beastie Boys og Coolio, der gav 90'erne forstadsbørn deres første bid punk og rap til et nummer fra Mighty Mighty Bosstones, eksempler på den kommende ska-dille. Den musikalske verden af ​​'Clueless' er, i sin tids sprogbrug, Just So 90'erne. Men intet sætter scenen bedre for det, der kommer, end The Muffs' poppunkcover af Kim Wildes 'We're The Kids In America'. De brølende guitarriffs, der åbner filmen, allerede inden vi er færdige med at se Paramount-logoet gå forbi, har en bid til sig, og åbningsteksterne har en asocial energi, en ensomhed, der ligger bag alle teenagefacader. Men når det parres med introduktionen af ​​Cher Horowitz (Alicia Silverstone), svæver banen i et nyt gear - heldigvis et, som Cher's Jeep ikke skal beskæftige sig med. Intet udtrykker suset af teenagefrihed og tilliden til privilegier bedre end titelomkvædet til 'We're The Kids In America.' Instruktør Amy Heckerling skyder Chers eventyr med sine venner rundt i LA med et kamera, der ligesom sine motiver ikke kan sidde stille. Den er konstant i bevægelse og forsøger at finde teenagerne i ramme, fordi de er for seje til et statisk skud. Men scenen ville være tom uden musik, og især uden den hooky backup-vokal, som i dag ville være en perfekt sommersang. Det er på samme tid tro mod Chers sociale miljø og tro mod hende, de glæder, hun har, og den holdning, hun bringer til sit liv. 'We're The Kids In America,' ligesom 'Clueless selv, er en perfekt bop. -SS

15. 'Eyes Wide Shut': Chris Isaak, 'Baby Did a Bad Bad Thing'

Set i bakspejlet, brugen af ​​Chris Isaaks hornede stiver af en country-western-sang mod begyndelsen af ​​'Eyes Wide Shut' (og gennem en af de bedste teasertrailere nogensinde skåret ) var en af ​​de sidste jokes, som den berømte rapscallion Stanley Kubrick nogensinde spillede på os. 'Baby Did a Bad Bad Thing' lugter af sved og umuligt god sex, og driller os med et X-vurderet blik på et af Hollywoods mest billed-perfekte par, og dets nålestop lever op til det løfte, selvom det kun er i en softcore måde.

Gudskelov for det, fordi Isaaks soundtracks indeholder al den sex, som Alice og Bill Harford skal have i løbet af den 159 minutter lange film, der følger - et forpint drømmeepos om ægteskabelig jalousi og de forsøg, der ikke er taget. Kubrick havde brug for at give publikum en slags filmiske blå kugler for at sætte skub i Bills erotiske rejse til ingen steder, og for at gøre det valgte han en sang, der næsten lyder som en parodi på forførelse. Selv næsten tre timer senere, efter at have set Bill rejse til den yderste kant af sine fantasier for kun at havne i en legetøjsbutik for børn, kan du stadig høre den seksuelle spænding af disse staccato-guitartoner vibrere under hvert skud. -AF

14. 'Pulp Fiction': Dick Dale & His Del-Tones, 'Misirlou'

Da Quentin Tarantino skrev og instruerede 'Pulp Fiction', ønskede han, at publikum skulle vide, at de var i gang med noget mere spændende, mere ambitiøst og mere provokerende end ikke kun hans egen tidligere film, men end næsten alt andet, der ramte amerikanske filmlærreder i 1994. Vi fik alle beskeden et par minutter inde i filmen, da Amanda Plummers løfte om at 'henrette hver forbandede sidste af' gæsterne i den spisestue, hun og Tim Roth var ved at røve, gav plads til den drivende surfguitar fra Dick Dales 'Misirlou'. .' Som Tarantino sagde på tidspunktet for filmens udgivelse: 'At have 'Misirlou' som din åbningskredit, det er bare så intenst. Det siger bare, at du ser et epos, du ser en stor, gammel film... Det kaster bare en kappe ned, som filmen nu skal leve op til.' 'Pulp Fiction' levede selvfølgelig op til løftet om Dales hurtige, fængende riff (et moderne bud på en folkesang fra det østlige Middelhav) og blev en af ​​årtiets mest indflydelsesrige film. Forbindelsen mellem sang og film var så fuldstændig, at kun to år senere, i 'Space Jam', var nogle få toner fra 'Misirlou' og et klædeskabsskift til Elmer Fudd og Daffy Duck nok til øjeblikkeligt at referere til Tarantinos film på en måde, som hver voksen i teatret ville forstå. — JH

13. 'The Long Day Closes': Debbie Reynolds, 'Tammy'

En ikke-lineær vision af 1950'ernes Liverpool, der udfolder sig med den glatte varme fra en Technicolor-dødsdrøm, Terence Davies' 'The Long Day Closes' finder instruktøren, der orkestrerer sine barndomsminder til, hvad Nat King Cole kunne kalde 'musikken fra de forgangne ​​år'. .' Men intet af den musik har større indvirkning på ham - eller os - end Debbie Reynolds' vilde ballade 'Tammy' fra 1957, der har lydspor til en af ​​årtiets mest uudslettelige sekvenser som en serie af panoreringsbilleder fra Guds øjne, smelte kirke , skolen og biografen til ét sted i instruktørens sind. Længslen i Reynolds' stemme giver genlyd med Davies' egen søgen efter kærlighed, hvilket fører ham stadig dybere ind i en romantik med musikken og filmene, der altid har elsket ham tilbage. -AF

12. 'Wayne's World': Queen, 'Bohemian Rhapsody

I dag er Queen solidt forankret i det klassiske rockpantheon, den type legendariske handling, der er overleveret til nye generationer af fans i spillelister med største hits, overdrevne biopics og Target grafiske T-shirts. Men sådan har det ikke altid været: Som Mike Myers fortæller det , måtte han kæmpe for at spille 'Bohemian Rhapsody' i sit første køretøj med hovedrollen. Myers ønskede, at singlen fra 1975 skulle soundtracke til headbanging-introen til 'Saturday Night Live'-spin-offet 'Wayne's World', men enten producer Lorne Michaels eller Penelope Spheeris (konti er forskellige) insisterede på et mere tidsånd-agtigt Guns N' Roses-nummer. Myers truede med at gå, Queen fik grønt lys, og en uudslettelig filmisk vision om forstæders fjols, der lavede deres egen sjov, blev født.

'Bohemian Rhapsody' blev ikke afspillet meget i radio på tidspunktet for optagelserne, men det er tydeligt, at sangen er i stor rotation blandt Wayne (Myers), Garth (Dana Carvey) og venner: Der er en velkendt, levet- i følelsen af ​​sekvensens opførelse og retning, understreget af den måde, hver passager spiller sin egen rolle og rammer sine egne signaler i operetten 'Jeg ser en lille silhuet af en mand'. Det hjælper, at Myers og medstjernerne Sean Sullivan og Lee Tergesen genoptog scener fra deres egne misbrugte unge, som de trak fra, da Garths blå AMC Pacer, Mirthmobile, blev bugseret op og ned ad gaderne i West Covina, Californien for at tage efter. tage.

Myers havde ret i, hvordan 'festtid' skulle se ud og lyde uden for 'Wayne's World'-kælderen, og hans overbevisning blev gentaget af den bølge af fornyet Queen-påskønnelse, der fulgte efter frontmand Freddie Mercurys død i november 1991. Da 'Wayne's World' ramte teatre den følgende Valentinsdag, var en posthumt genudgivet 'Bohemian Rhapsody' genindtrådt på hitlisterne, og publikum var friske til at nikke med. Nålefaldet superladede Queens genopblussen, og andre film fulgte hurtigt trop: Disneys 'Mighty Ducks'-franchise, for eksempel, bragte jock-rock-blokken af ​​'We Will Rock You' og 'We Are The Champions' til endnu yngre seere. Selv opsætningen af ​​sekvensen fandt et andet liv, som shout-along-titelsekvensen til 'That '70s Show', fra Myers' andre 'Wayne's World'-manuskriptforfattere og 'SNL'-alumner Bonnie og Terry Turner.— EA

11. 'Malcolm X': Sam Cooke, 'A Change Is Gonna Come'

Få filmskabere gjorde bedre brug af nålefald i 90'erne end Spike Lee, fra hans uhyggelige brug af Stevie Wonders 'Living for the City' i 'Jungle Fever' og den blændende sidestilling af ABBA, The Who og L.E.S. Stitches i 'Summer of Sam' til paraden af ​​Prince-signaler i 'Girl 6' og de søde nostalgiske lyde fra 'Crooklyn'. Lees største ægteskab af musik og image kom i 'Malcolm X' fra 1992, hvor han scorede titelkarakterens ankomst til stedet for hans attentat med denne Sam Cooke-klassiker. Det var også en af ​​Lees største triumfer i forhandlingen, da Cookes ejendom aldrig før havde givet sangen licens til filmene og kun gjorde det for 'Malcolm X' på grund af scenens følelsesmæssige påvirkning og under den betingelse, at sangen ikke blev opført i krediteringerne eller vist på soundtrack-albummet. Cookes kraftfulde hymne - inspireret af hans ønske om at skabe en sang som Bob Dylans 'Blowin' in the Wind' - giver et inspirerende, spøgende, uforglemmeligt crescendo, når Lees mesterværk nærmer sig sit klimaks. — JH

10. 'Rushmore': Skabelsen, 'Making Time'

Efter at Martin Scorsese så 'Rushmore', skrev han dens instruktør den type beundrende brev, enhver ung filmskaber drømmer om at modtage. En af de ting, Scorsese tastede ind, var filmens brug af musik: I stedet for at tapetsere 'Rushmore' med et mixtape af yndlingsnumre, havde Wes Anderson og musikvejleder Randall Poster scoret denne meget personlige film med nuggets fra den britiske invasion. Det gjorde næsten ikke noget, at numrene fra 60'erne ikke havde nogen bogstavelig relation til historien om Max Fischer (Jason Schwartzman) og den blå-blazer-forskole, han elskede. Soundtracket overskred indstilling og tidsperiode for at fange ånden og hensigten med denne enestående filmiske vision.

Anderson annoncerer den intention med det klingende riff fra en næsten glemt mod-klassiker. Ikke før har Rushmore-rektor Dr. Nelson Guggenheim (Brian Cox) erklæret Max for 'en af ​​de værste studerende, vi har', før The Creation's 'Making Time' fører os gennem en undersøgelse af de anerkendelser og æresbevisninger Max bruger til at camouflere sine akademiske mangler. . Dette filmiske supplement til Rushmore Yankee - som unge Fischer er chefredaktør for, natch - er en ofte parodieret, aldrig duplikeret bedrift af bevægelse, komposition, kadence, farve og lyd. Den projicerer den verdslighed, sofistikering og popularitet Max stræber efter (og, baseret på deltagelse i nogle af hans ekstrakurser, formår den ikke at opnå); den musikalske hån fra 'Making Time' leverer den brio, han endnu ikke har tjent, uanset hvor mange stenansigtede positurer han slår for kameraet. Med sådan en introduktion kan du måske forstå, hvordan voksne som Herman Blume (Bill Murray) og Rosemary Cross (Olivia Williams) kan blive fascineret af denne nysgerrige lille stræber i den røde baret. Desuden kan du se og høre, hvad Scorsese gjorde for alle de år siden: Nye talenter, plante et flag — CO & EA

9. 'Reservoir Dogs': Stealers Wheel, 'Stuck in the Middle with You'

Roger Ebert skrev om, hvordan skuespillere kunne blive stjerner i én scene - Jack Nicholson, da han tog fodboldhjelmen på i 'Easy Rider', Eddie Murphy, da han overtog country & western-baren i '48Hrs'. - men fænomenet er ikke begrænset til kunstnere. Instruktører kan også blive stjerner i én scene, og det var, hvad der skete med Quentin Tarantino, da Michael Madsens 'Mr. Blonde” skruede op for lyden på “Stuck in the Middle with You” og dansede og snittede sig ind i filmhistorien. Selvom der ikke er nogen reel slør på skærmen i Tarantinos skildring af hr. Blondes barberbladsangreb på hans gidsels øre - kameraet kigger væk lige før lemlæstelsen begynder - var virkningen af ​​at udtrykke en sociopats glæde gennem iørefaldende tyggegummi-pop så foruroligende, at de tidlige publikummer , inklusive gysermaestro Wes Craven, gik ud på filmen på det tidspunkt. (Du ved, at du rykker nogle grænser, når du er for barsk til instruktøren af ​​'The Last House on the Left.') Seerne, der blev - og som vendte tilbage til filmen igen og igen - var dog hooked, og den forfriskende blanding af forskellige toner, som Tarantinos brug af sangen faciliterede, ville blive et af instruktørens varemærker. — JH

8. 'Fucking Åmål': Udlænding, 'Jeg vil vide, hvad kærlighed er'

'Vi er så seje,' hvisker Elin (Alexandra Dahlström) til Agnes (Rebecka Liljeberg), de unge piger er samtidig nervøse og imponerede over det slemme, at de sniger sig ud i et eventyr midt om natten, som kræver endnu mere vovet. vende, når de flager en bil ned for at slå en tur.

Foreigners powerballade fra 80'erne er i første omgang kun baggrunden, der kommer gennem den knasende bilradio fra den midaldrende mand, der stopper for at hente dem. Men da han kommer ud for at kigge under motorhjelmen på den standsede bil, skifter musikken til ren soundtrack-lykke, der driver pigernes nervøse spænding til et lidenskabeligt kys.

Lige så vigtigt som den euforiske lydovergang er det øjeblik, hvor pladens nål bryder sig om og går skrigende i stå - kysset og musikken afbrudt af mandens tilbagevenden, som skælder dem ud. Sammenstillingen af ​​det magiske kys af (som teksten går ind for) 'at vide, hvad kærlighed er' og den voksne verden, der forbyder dem, indkapsler, hvor svært det er for dem at finde sand flugt. — CO

7. 'Mave': Soul II Soul, 'Tilbage til livet'

For mange af de filmskabere, der blændede MTV-seere i 1990'erne, virkede et omdrejningspunkt til det store lærred som et logisk næste skridt. Det fungerede for David Fincher, Spike Jonze og (suk) McG. Alligevel har en af ​​formens mest dristige og imiterede visuelle stylister den dag i dag kun én funktion til sit navn. (Hvilket kun gør McG-tinget mere irriterende.)

Men sikke en entré, Hype Williams gør med 'Belly': Det surrealistiske krimi-drama begynder med, hvad der i bund og grund er en Williams-musikvideo fra toptiden i miniature, mens Nas og DMX (også får deres spillefilmdebut) glider gennem New Yorks berygtede Tunnel-natklub, bakket op. ved den originale skeletoptagelse af Soul II Souls 'Tilbage til livet'. Uden dansegulvsdunk fra remixet, der havde gjort sangen til et internationalt brag, lægger 'Back to Life' sig over scenen som en ildevarslende sky, en skarp kontrast til festen omkring Tommy (DMX) og Sincere (Nas) og røveriet de er ved at begå. Williams forstærker denne spænding mellem glitter og dysterhed med nogle af hans VMA-værdige signaturer: slowmotion-fotografering, vidvinkelhældningen mod den dødsdømte klubmanagers ansigt, de skinnende overflader overalt , det ' Læg dine hænder, hvor mine øjne kunne se ” sort lyseffekt, der giver hovedpersonernes øjne en katteagtig glød. Williams sænkede efter sigende det meste af filmens budget i sekvensen, og det viser sig i en omhyggelighed, der strækker sig til dens valg af sang. Steady, er du klar? Hype Williams var bestemt, og vi håber, at han får endnu en chance for at bevise det en dag. — EA

6. 'Fight Club': Pixies, 'Where Is My Mind'

Teksten til 'Where Is My Mind?' at ankomme til slutningen af ​​'Fight Club' er en sidste grusom joke - men endnu vigtigere er det en sjov joke. Selvom det er Fortælleren (Edward Norton), der tager Marlas (Helena Bonham-Carter) hånd til allersidst i filmen, er der intet, der legemliggør Tyler Durdens (Brad Pitt) kølige kaos, som det ivrige guitarslik og det spøgende 'Hoo' -oooo” af Kim Deals vokal. Musikken er triumferende anarkisk, lige i det øjeblik, hvor den moderne verden, Fortælleren har fundet så kvælende, vælter ned - en uheldig måde, filmen er blevet ældre på, er, at vi siden har set så mange rigtige højhuse og skyskrabere ødelagt, at Når man ser det nu, føles manglen på røg og granatsplinter fra sprængladninger ikke realistisk.

Men 'Fight Club' er ikke realistisk; det er et mørkt, presserende ønske om en historie, og at få en Pixies-hymne til at føre os ind i kreditterne er et godt endeligt bevis på, hvor sjove de kan være. Sangen er siden blevet en fast bestanddel i film og tv og dukker op i alt fra 'Veronica Mars' til 'The Leftovers', men en hel generation blev introduceret til den (og Pixies, og måske punken som æstetik) lige her. 'Hvor er mit sind?' blev aldrig udgivet som single, hvilket betyder, at den nåede sit bredeste publikum gennem visuelle medier. Når det sker for en sang, kan den blive en forkortelse for følelser, for typer af klip og montager, selv for cliffhangers. Den glædelige opgivelse af 'Where Is My Mind?', med at spørge, hvor din fornuft er blevet af og virkelig ikke gider at få den tilbage, er aldrig mere kraftfuld, end den er her som den sidste, smukt smertefulde tone af et David Fincher-mesterværk. -SS

5. 'Chungking Express': The Mamas and the Papas, 'California Dreamin''

Der er noget, der føles vidunderligt i vores digitale tidsalder, ved hvordan 'Chungking Express' behandler musik. Det er ikke, at Wong Kar Wai har udvalgt et sæt majestætiske vibes for at score denne splittede udforskning af kærlighed og ensomhed i Hong Kong, selvom han har (og fået Faye Wong til selv at synge en af ​​dem i formentlig det bedste cover nogensinde af ' Dreams' af The Cranberries). Men sange i filmen er ikke blot numre; de er øreorme, sange, der nærmest er ideer, som kommer ind i dit hoved og begynder at få deres eget tyngdekraft. 'California Dreamin'' af The Mamas and the Papas bliver en nøglepille i filmen i, hvordan den dukker op igen og igen (og igen og igen), som en tilbagevenden til den lille komfort ved at spise ananas på dåse eller hente en kokkesalat fra en bodega.

Det er bemærkelsesværdigt - selv i en historie, der handler om gentagelser og de tvangstanker og længsler, der aldrig vil forlade os, de fejl, vi laver igen og igen - at filmens hjerteslag er musikken, der påvirker disse karakterer, mens de flakker rundt. Det siger noget vidunderligt varmt og håbefuldt og latterligt (som kærlighed altid er), men at 'California Dreamin'' er sangen, der driver filmen mod sin lykkelige slutning i anden halvdel. Der er en tåget kvalitet, der ikke kun er psykedelisk over det; noget om den løse måde Wong bevæger sig, når sangen afspilles, det er som om du kan se, hvad der sker fysisk med din krop, når dit sind er et andet sted. Instruktør Wong forstår, at musikkens evne til at transportere sanserne ikke kun er en kraft, den har, men et ønske, vi også har et ønske om at blive transplanteret et andet sted i rum og tid. Den gentagne brug af 'California Dreamin'' i 'Chungking Express' viser, hvor meget det ønske kan tage over, og hvor lækker ensomhed nogle gange kan være. -SS

4. 'Boogie Nights': Night Ranger, 'Sister Christian'

Der er flere øjeblikke af ren musikalsk perfektion i 'Boogie Nights', som er toppen af ​​formen, da Paul Thomas Anderson lader os føle, at unge Dirk (Mark Wahlberg) bliver fejet op i San Fernando-pornoscenen. Young PTA fik endda nogle ekstra koteletter ved at genbruge et Chico Hamilton Quintet-nummer fra 'Sweet Smell of Success'-partituret for at fange et øjebliks fælles melankoli.

Men det er Alfred Molinas spjættende, forkoksede narkohandler fortabt i sit eget private mixtape, der tager kagen. Mens pistolen svinger, badekåbedraperet kingpin jammer ud til Rick Springfields 'Jessie's Girl' og Night Rangers 'Sister Christian', efterlades vi, ligesom vores paranoide hovedpersoner, i en konstant tilstand af uro. Mellem hans lille følgesvend, Cosmo (Joe G.M. Chan), der kaster fyrværkeri og den kraftfulde, flygtige natur Molina bringer karakteren, forventer vi en drejning til det værre til enhver tid. Sammenstillingen af, at halvdelen ønsker at jamme ud og halvt vil pisse dine bukser, er et utroligt øjeblik for filmproduktion - det er den perfekte kombination af performance, lyd og musik. –CO

3. 'Trainspotting': Iggy Pop, 'Lust for Life'

Det er energien. Iggy Pop og David Bowie udledte stempel-pumpe-rytmerne fra vintage Motown, mens de skrev 'Lust for Life', og det brugte beat viser sig at være den ideelle temposætter for et par junkies, der flyver ned ad et Edinburgh-fortov. I en opløftende flådemontering introducerer instruktør Danny Boyle og redaktør Masahiro Hirakubo os til karaktererne, rammerne og filosofien i Irvine Welshs 'Trainspotting', mens Hunt Sales' hamrende toms og Ewan McGregors motormundede ( og hurtigt forhandlet ) monolog fortæller os alt, hvad der måske ikke umiddelbart er læseligt i walisisk dialektplettet prosa.

'Trainspotting'-soundtracket løber gennem flere perioder med rock 'n' roll hedonisme - 70'ernes Lou Reed, 80'ernes Factory Records-scene, dengang opstigende britpop og EDM-akter - men det udvalg, der bedst indkapsler forførelsen og terroren i dens verden er 'Lust for Life', en sang, der blev vendt tilbage til den kulturelle himmelhvælving ved filmens spirende åbning. Denne fornyede popularitet satte 'Lust For Life' på en bane, der ikke var ulig Rentons (McGregor), kortvarigt forkastet ' spiritus og stoffer ” at gnide albuer med en angiveligt bedre klasse af mennesker. Heldigvis ingen mængde af ' Sang om heroin brugt til at annoncere bank ” Synkroniseringer har dæmpet stødet i kampen mellem Renton, der tog en fra spidsen på fodboldbanen og satte sig i et flophus. —EA

2. 'Beau Travail': Corona, 'The Rhythm of the Night'

Det er en uventet kodning til Claire Denis' undersøgelse af maskulinitet i bevægelse.

Efter at have tilbragt det meste af de foregående 80 minutter i militærtræningens solbeskinnede verden - hvor historien om Melvilles 'Billy Budd' udspiller sig blandt en gruppe franske legionærer udstationeret i Djibouti - er vores fortæller, den vanærede og hofmarskalerede Galoup ( Denis Lavant), der nu er tilbage i Marseille og husker begivenhederne, der førte til hans fald, vågner op for at rede sin seng med militær præcision, hans pistol stadig inden for rækkevidde. Klip til Galoup, alene og stadig i hjørnet af en natklub, indtil 'The Rhythm of the Night' kommer. Den stive militærmand har en overraskende mængde af smidighed og akrobatiske bevægelser, da han slipper noget løs indeni.

Det er op til seeren at fortolke, hvad Galoup udløser her - skyld, beklagelse over at miste det militærjob, han elskede (eller frihed fra det), den undertrykte homoseksualitet, der motiverede hans tragiske handlinger - men der er katarsis, og samtidig tragedie, i at se denne solodanseforestilling, der ender med, at han ruller på gulvet, mens kreditterne begynder at rulle. –CO

1. 'GoodFellas': Derek and the Dominos, 'Layla'

Tidligt i den kreative proces trækker Martin Scorsese sig tilbage til et hotelværelse for at lytte til musik. Alene i et rum undersøger instruktøren ikke, hvilke specifikke numre han vil have til sin seneste film, men det er snarere musik, der hjælper ham med at låse op for, hvilken bevægelse, rytme, tekstur og følelse, der er det rigtige for hans næste filmiske lærred. Denne anekdote forklarer ikke, hvorfor Scorsese er blevet den moderne mester i nålefaldet - og de mangeårige samarbejdspartnere Robbie Robertson og Thelma Schoonmaker fortjener bestemt ære for deres rolle i denne udvikling - men understreger snarere, hvor uadskillelige kamera, farve og karakter er fra musik i en Scorsese-film.

'Goodfellas' er magnum opus af Scorseses brug af populærmusik til at score sine film, og kunne nemt have indtaget top 5 på denne liste alene: 'Så langt tilbage som jeg husker, har jeg altid ønsket at være gangster,' siger Tony Bennett. 'Rags to Riches;' Robert De Niros slowmotion-træk af en cigaret, der foranledigede Eric Claptons 'Sunshine of Your Love'-riff; at blive fejet op i Steadicam-turen gennem Copa'en, da 'And Then He Kissed Me' fanger Karens rus; eller hvordan 'Jump Into the Fire' er blevet synonymt med kokain-drevet paranoia på skærmen.

En del af det er den geniale måde Scorsese brugte voiceover og sang i 'Goodfellas' til at trække sin historie om voldelig rædsel. Kombineret med voiceover er musik den magiske ingrediens, der gør det muligt for Scorsese at sætte seeren ind i sit barndomsvindue, hvor han både blev tiltrukket af og forfærdet over de kloge fyre, der regerede Little Italy-gaderne nedenfor. Det koncept med at forsøge at fange både forførelse og frastødning er næppe nyt, men dets udførelse var det.

Så meget, at numre fra 'Goodfellas' nu er indgroet i kulturen som signaler, der fremkalder specifikke følelser uden for selve filmen. Ingen steder er det mere sandt end Derek and the Dominos' 'Layla' sørgelige coda, som spiller, mens Scorseses langsomt bevægende kamera metodisk afslører de løse ender, Jimmy (De Niro) binder efter det store røveri. Der er en nostalgi i selve musikken og en følelse af at se tilbage, som i sammenhæng med scenen er nærmest ironisk, da vores fortæller ser tilbage med et strejf af melankoli på begyndelsen af ​​slutningen. –CO

Denne artikel blev offentliggjort som en del af IndieWires ' 90'er uge spektakulære. Besøg vores 90'er-ugeside for mere .



Top Artikler